Interview - Elles X Paris Photo, (2020) [EN]

The photographic work of Aurélie Pétrel (1980) questions the status of the image, its use, and the mechanisms of its production. “A shot only has meaning through an open and plural existence”, she declares. A graduate of l’École des Beaux-Arts of Lyon, the artist has been teaching at the Haute École d’Art et de Design (HEAD) in Geneva since 2012 and codirects the Laboratoire d’expérimentation at the Collège international de Photographie du Grand Paris. Her works have been exhibited in France (Lyon, Paris, Saint-Étienne) and overseas (Toronto, New York, Geneva, Portugal). Aurélie Pétrel has also participated in several residency programmes (Cité internationale des arts, Institut français and Gallery 44 Center for Contemporary Photography in Toronto, Villa Kujoyama, Institut français, in Kyoto).

How did you become a photographer? Would you define yourself as a one?

I was attracted to the distinctive and polymorphic potential of this medium and what it implied as a craft, in both the manual and industrial sense. At the same time, I was drawn to the feeling that photography was growing through the development and diversity of individual practices. Even before the advent of smartphones, photography was already a form of expression that was accessible but also on the artistic fringe. This opened up many possibilities for work, in terms of quantity and potential for development. I was attracted by the sheer number and scope of sets, fields, uses and forms of expression photography comprises, and which continue to grow exponentially. I felt a sense of belonging to a narrative, a belonging which was immediately amplified and slightly blurred by our ambiguous aesthetic norms. This lack of clarity was exciting, it created a feeling of being part of an emancipation movement. Having chosen to be a young amateur photographer, then to become a photography student, and later attend art school in precarious circumstances, opened up a space for freedom of action. Looking at my background and the choices I made, I can say, yes, that I am a photographer. However, I leave it up to the viewer to project, validate or invalidate this identity, in relation to what he or she understands by ‘photographer’ when viewing my hybrid artistic works.

What drives you as a photographer?

My commitments are aesthetic. I have a principle of co-existence and multiplicity in my work. I use one single ‘root’ shot, which I call ‘latent shot’ whose worth is only gained through an open and plural mode of existence. It circulates and is communicated by being ‘activated’ in unlimited ways, through a series of metamorphoses and variations. For example, two of my works resulting from my research into light (Inactinique, 2020) have just joined the MNAM-Centre Pompidou collections. They are born from one symbolic unitary situation (an analogue photo lab bathed in red light) from which, through diffraction, emerge and escape an infinite number of materialisations in the form of differentiated installations. The two-part artwork which now belongs to the Pompidou’s permanent collection may be temporarily stable, but it has by no means stopped, frozen or been collected, so to speak. It is a movement that has been bought and archived which is in an in-between state that signals a multitude. The need for a shift from one unique identity to a plurality and metamorphosis is a fundamental conviction of mine.

Do you think there is such a thing as a ‘woman’s gaze’ in photography? Is this something you can relate to?

No, absolutely not. To talk about a ‘woman’s gaze’ is obsolete and, I believe, dangerously ‘essentialist’. By ‘woman’s gaze’, what are we saying, what are we talking about? Sex? Gender? A sixth sense? No, it doesn’t make sense. On the other hand, if we’re talking about women’s place in photography, in art, or in society in general, yes, of course I can relate to this. At the same time, my position with regards to questions of sex and gender in art, and therefore in photography, is twofold and possibly contradictory. My first stance would be feminist in relation to the obvious need to rebalance visibility based on a long history of restoring justice in the way men and women are represented. My other position seeks to go beyond this issue, which even though it has now been recognised and is necessary, is based on a toxic binary vision inherited from our western history. We must therefore overcome these positions by mixing, hybridisation, transformation, moving away from sexual norms – what Paul Preciado refers to as ‘monstrous’. What is most urgent is not to defend what we are, men, women, or other, but to disidentify ourselves from the political coercion that forces us to desire the norm and to reproduce it. At the same time, we must rise up – and this is the paradox – even as the old binary order deprives us of the right to speak. Rather than a ‘woman’s gaze’, I think one can talk of a ‘stage’ where ‘people-other-than-men-in-a-bipolar-system’ evolve and modulate. I am thinking of artists such as Marina Gadonneix, Constance Nouvel or Marcelline Delbecq, among others, who are changing things today and shaking up the world of photography. This movement can currently be witnessed at the exhibition La photographie à l’épreuve de l’abstraction, at the Frac Normandie Rouen, at the Centre photographique d’Île-de-France (in Pontault-Combault) and at Mirco Onde (in Vélizy). There is also SMITH, with whom, along with director Vincent Roumagnac, I will exhibit in 2023.

Has being a woman influenced your work as an artist in any way?

Yes and no, for the same dual reasons of strategic feminism and idealistic queering, which I have just mentioned. Yes for reasons of historical and societal heritage. No with regards to the aesthetic stakes in these times of ontological transitions relating to questions of shared identities.

Do you live off your art?

In the light of my previous answers, and even if there is obviously still a lot of work to be done when it comes to consolidating these transformations and a need to be vigilant, I think that I have benefited from an improvement in the situation which is largely due to previous provocations and struggles over these identity issues. I have also made certain life choices in terms of mobility, solitude and an intense work ethic in order to succeed in making a living from my artistic practice through these commitments. And of course, I’ve been lucky with the people I’ve met. Today, as I am financially stable, I am trying to consolidate an ecosystem that makes sense, both in the continuity and the destabilizing of what pre-exists as a base. We are going through a period of infrastructural transition: living from one’s art today implies investing in structural mutations, not from a strictly personal point of view, but from a common one, so that art can continue to play a founding role in the future.

Which authors have inspired you? Are there any women photographers among them?

So many people have inspired me! Diane Arbus’s Twins immediately comes to mind! There’s also Valérie Jouve, Tatiana Trouvé, photography, layout and back! There’s not enough space here to include the works in my library and material library! When it comes to authors, at the moment, I keep going between Vilém Flusser and Ursula K. Le Guin. In fact, I have just finished a new photo-scenic work with Vincent Roumagnac (Pétrel I Roumagnac (duo)) following a winter residency at the Villa Kujoyama in Kyoto, based on an adaptation of Le Guin’s mad techno-queer novel The Left Hand of Darkness. Her way of overturning normative thinking through science fiction, of creating new forms of communication, of producing hybrid beings and landscapes, speculative political systems and of experimenting with imagination is so stimulating. The scenographic prologue of the play is being displayed at the Viva Villa! festival at the Lambert Collection in Avignon until January, and a first version of the play will be shown at the Valeria Cetraro gallery on November 14th. Welcome!

Interview - Elles X Paris Photo, (2020) [FR]

La pratique photographique d’Aurélie Pétrel (1980) interroge le statut de l’image, son utilisation ainsi que les mécanismes de sa production. « Une prise de vue-souche ne vaut que par un mode d’existence ouvert et pluriel », déclare-t-elle. Formée à l’École des Beaux-Arts de Lyon, l’artiste enseigne au sein de la Haute École d’Art et de Design (HEAD) de Genève depuis 2012 et codirige le Laboratoire d’expérimentation du Collège international de Photographie du Grand Paris. Ses oeuvres ont été exposées en France (Lyon, Paris, Saint-Étienne), comme à l’international (Toronto, New York, Genève, Portugal). Aurélie Pétrel a également participé à plusieurs résidences (Cité internationale des arts, Institut français & Gallery 44 Center for Contemporary Photography à Toronto, ou encore la Villa Kujoyama, Institut français, à Kyoto)

Comment en êtes-vous venue à la photographie ? Vous définissez-vous comme photographe ?

La singularité et le potentiel polymorphique de ce médium m’ont attirée. Ce qu’il impliquait en tant que métier, au sens manuel et industriel du terme, et simultanément la perception que cette technique s’émancipait via le développement et la diversité de pratiques d’auteur. Même avant l’arrivée des smartphones équipés, c’était déjà un terrain d’expression à la fois accessible et en marge artistiquement, marge qui ouvrait la possibilité d’une réserve de travail, à la fois retrait et promesse de déploiement. La multiplicité et l’amplitude des scènes, terrains, usages et modes d’adresse que rassemble et continue d’élargir exponentiellement « la photographie » m’ont attirée. Je pressentais l’appartenance à une histoire, appartenance tout de suite doublée, et troublée, par l’ambiguïté des régimes esthétiques et de reconnaissance. C’était excitant ce flou, cette sensation qu’il y avait là la possibilité de s’inscrire dans un mouvement d’émancipation. Les choix d’être jeune photographe amateure, puis étudiante en photographie, puis en école d’art sous et via ces conditions instables ont ouvert un
espace de liberté d’action. Au regard de mon parcours et de ces choix, je peux dire, oui, que je suis photographe ; après je laisse à chacun la possibilité de projeter, de valider ou d’invalider cette identité, par rapport à ce qu’ils entendent par « photographe » au contact de mes propositions artistiques hybrides.

Quels sont vos engagements dans votre pratique photographique ?

Mes engagements sont esthétiques. Je fais prévaloir dans mon travail un principe de co-existence et de multiplicité : une prise de vue-souche, unique, que je nomme “prise de vue latente” ne vaut que par un mode d’existence ouvert et pluriel, projeté vers des activations illimitées, des séries de métamorphoses et de variations quant à ses mouvements de circulation et de communication. Par exemple, deux propositions issues de mes recherches autour de la lumière (Inactinique, 2020) viennent de rentrer dans les collections du MNAM-Centre Pompidou ; d’une situation unitaire symbolique (un laboratoire argentique baigné de lumière rouge), émergent et échappent, par diffraction formelle, une infinité de matérialisations sous forme d’installations différenciées. La pièce, double, entrant dans les collections à Beaubourg est certes provisoirement stabilisée,
mais nullement arrêtée, figée, collectionnée pour ainsi dire. C’est un mouvement qui est acquis et archivé, un entre-deux qui signale une multitude. La nécessité d’un glissement de l’identité en tant qu’unité vers la pluralité et la métamorphose est une conviction de fond.

Est-il légitime de parler d’un regard de femme dans la photographie ? Vous sentez-vous concernée ?

L’expression « regard de femme » est obsolète et je crois dangereusement essentialiste. Que dit-on quand on dit « regard de femme », de quoi parle-t-on ? De sexe ? De genre ? De sixième sens ? Non, cela ne tient pas. Par contre, parler de la place des femmes dans la photographie, en art, ou dans la société en général, oui, bien évidemment que je suis concernée. Et en même temps, ma position par rapport à ces questions du
sexe et du genre de l’art, et donc de la photographie, est double, possiblement contradictoire. La première serait féministe par rapport aux nécessités évidentes de rééquilibrage des visibilités basée sur la longue histoire du rétablissement d’une justice dans la représentation entre hommes et femmes. L’autre cherchant à dépasser cet enjeu, encore une fois reconnu et nécessaire, mais reposant sur une binarité toxique héritée de l’histoire de l’occident. Il s’agit donc de la dépasser par des enjeux de mélange, d’hybridation, de transformation, de déviance, ce « monstrueux » dont parle Paul Preciado… Ce qui est le plus urgent n’est pas de défendre ce que nous sommes, hommes, femmes, ou autres, mais de se désidentifier de la coercition politique qui nous force à désirer la norme et à la reproduire. Et en même temps, de s’insurger, et c’est le paradoxe, quand la vieille binarité prive de la parole. Plutôt que « regard de femme », je pense que l’on peut en revanche parler d’une « scène » où « d’autres-que-des-hommes-dans-unsystème-bipolaire » évoluent et modulent. Je pense à des artistes comme Marina Gadonneix, Constance Nouvel, ou encore Marcelline Delbecq, entre autres voix, qui changent aujourd’hui, bougent les lignes photographiques. En ce moment, on peut notamment aller à l’encontre de cette scène avec l’exposition La photographie à l’épreuve de l’abstraction, au Frac Normandie Rouen, au Centre photographique d’Île-de-France (Pontault-Combault) et Mirco Onde (Vélizy)… Je pense aussi à SMITH, avec qui nous (mon duo avec le metteur en scène Vincent Roumagnac) exposerons lors d’une exposition collective en 2023.

Votre statut de femme a-t-il, ou a-il-eu, une influence sur votre statut d’artiste ?

Oui et non, pour les mêmes raisons, duales, entre féminisme stratégique et queering idéaliste, que je viens d’évoquer. Oui pour l’héritage historique et le sociétal. Non pour les enjeux esthétiques en temps de transitions ontologiques sur les questions du partage des identités.

Vivez-vous de votre art?

Par rapport à mes réponses précédentes, et même s’il y a encore de toute évidence beaucoup de travail à faire pour affirmer des transformations, de vigilance à tenir, je pense que je bénéficie quand même d’un déblocage de situation, amplement dû aux provocations et combats antérieurs sur ces questions identitaires. J’ai aussi fait des choix de vie, de mobilités, de solitudes, d’hypertravail, pour réussir à vivre de ma pratique artistique via ces engagements. Et bien sûr le facteur chance, les rencontres… Aujourd’hui étant à flot, je tente de consolider un écosystème qui fait sens, à la fois dans la continuité et la déstabilisation de ce qui préexiste comme base. On est dans une période de transition infrastructurelle, vivre de son art aujourd’hui implique de s’investir dans les mutations structurelles, pas d’un point de vue strictement personnel, mais commun, pour que l’art continue d’avoir une place fondatrice dans ce qui vient.

Quels sont les auteur(e)s qui vous inspirent ? Parmi eux/elles, y a-t-il des femmes photographes ?

Il y a tellement de personnes qui m’inspirent ! Là, tout de suite, j’ai l’image des Twins de Diane Arbus qui me vient ! Et aussi je pense à Valérie Jouve, à Tatiana Trouvé, de la photographie à la mise en espace and back ! Cet entretien est trop court pour embarquer ma biblio et matériauthèque ! Pour les auteurs, en ce moment, c’est un va-et-vient entre Vilém Flusser et Ursula K. Le Guin. On vient d’ailleurs de finir une nouvelle pièce
photoscénique avec le duo que je forme avec Vincent Roumagnac (Pétrel I Roumagnac (duo)) à la suite d’une résidence hivernale à la Villa Kujoyama à Kyoto, à partir de l’adaptation de La main gauche de la Nuit, le roman technoqueer givré de Le Guin. Sa façon de renverser via le récit de science-fiction la pensée normative, de créer des langages, de produire des êtres et des paysages hybrides, des systèmes politiques spéculatifs, d’expérimenter avec l’imagination est tellement stimulante. Le prologue scénographique de la pièce est installé pour le festival Viva Villa ! à la Collection Lambert en Avignon jusqu’en janvier, et on vernit une première version de la pièce à la galerie Valeria Cetraro le 14 novembre, welcome !